En la ciudad sin límites

El jueves tuvimos la última sesión del año con la película de Antonio Hernández. Aunque la nieve nos hizo retirarnos pronto, sí que pudimos discutir sobre algunas cosas que  nos había sugerido: el triunfo-fracaso de Marie, la madre; el conflicto del hijo menor, la ayuda al padre y los secretos que ambos guardan; o la forma de rodar con cierto estilo televisivo.

Para completar la información, os dejamos la presentación de la película y del actor Fernando Fernán Gómez:

En la ciudad sin límites on Prezi

Fernando Fernán Gómez

FERNANDO FERNÁN GÓMEZ on Prezi

Viridiana

Como Buñel es -junto a Almodóvar- uno de los directores referenciales de nuestro curso, ayer analizamos una de sus obras maestras, Viridiana. A todos nos aportó algo nuevo y los comentarios y reflexiones que hicisteis fueron muy sugerentes: alguno de vosotros había tenido la sensación de tristeza, para otros la película era una síntesis de todos los elementos del cine de Buñuel (recordad que Buñuel llegó a afirmar: Viridiana soy yo), a otros no os había parecido convincente, algunos decíais que el paso de lo antiguo a lo moderno era un triunfo de la burguesía, sin duda casi todos coincidíamos en su crítica a los valores de la iglesia, pero alguien comentó la diferencia entre iglesia y religión. La película gustó incluso a los más reticentes al blanco y negro y, a pesar del frío y de esas pequeñas molestias del sonido, nos reímos con esa galería de mendigos, violentos y zafios, pero que criticaban a la perfección los valores de la caridad cristiana, estableciendo los límites de la bondad. Gracias  porque la verdad es que nosotros también disfrutamos mucho con  vuestras ideas y aportaciones.

Os dejamos algunos comentarios de Víctor Fuentes un autor que ha estudiado la etapa mexicana del cine de Buñuel para que paséis un fin de semana en el deseo buñueliano:

[...] Viridiana deja el mundo idealizado de la Edad Media para entrar en el mundo tecnocrático y del consumo, personificado por Jorge [...], a ritmo de la música rock. Recordemos que cuando se filmó "Viridiana" ya regía en España el Plan de Estabilizaciónimpuesto por los tecnócratas del Opus. En este contexto, "Viridiana" tiene mucho de alegoría del destino de la sociedad española, desde entonces hasta nuestros días.

Un coloquio sobre Martín (Hache)

El pasado miércoles desafiando las inclemencias invernales retomamos el debate sobre Martín (hache). Es muy curioso la cantidad de información que aportan los personajes de esta película, están llenos de matices, de profundidad humana, de verdad. A todos nos despertaban  sentimientos muy diferentes: la dureza y la honradez de Martín padre, el amor y el desamparo de Alicia, la amistad y el límite moral de Dante, y la ternura e inteligencia de Hache. Bueno, para que durante el fin de semana podáis seguir disfrutando con la película, os dejamos un coloquio que se hizo en el programa "Versión española" de Televisión Española con el director Adolfo Aristarain y los actores Eusebio Poncela (Dante) y Juan Diego Botto (Hache):

Martín (Hache)

Ayer nos las tuvimos que ver con Martín (hache), la película de Adolfo Aristarain y, aunque desgraciadamente no hubo mucho tiempo para contarnos todo lo que nos sugería, sí que nos dio la oportunidad de comprobar algo que el propio director dice de su película: todo su sentido está en lo que sucede, en lo que se ve, en lo que se muestra. No hubo más intención que contar parte de la historia de cuatro personas a las que les cuesta vivir. Por eso se nos hizo cercana, porque quizás en estos tiempos que nos invaden a todos de alguna u otra manera nos cueste vivir. Quizás también, como alguno de vosotros sugeríais, porque amar no es algo fácil, sino que requiere esfuerzo y dedicación,  y parece que nuestros protagonistas han abdicado de esta obligación.

Para que podáis leer y reflexionar tranquilamente sobre la película y el director, os proponemos que naveguéis por la presentación y que penséis, después de haber leído el texto que os entregamos,  el papel que juega el Asesino Difuso en la construcción de la película. Esperamos ansiosamente vuestros comentarios:

presentación martín hache on Prezi

Adolfo Aristaráin: Lugares comunes

Tengo la sensación de que cuando habla de mujeres, está hablando de una sola mujer.

Aquí os dejamos la escena revolucionaria de la película
Lugares comunes, un emocionante mano a mano entre la actriz María Fiorentino y Federico Luppi, donde este ultimo declara su amor incondiconal por su mujer.
Probablemente esta sea la escena central de la película que más allá de sus lazos de unión con la Revolución Francesa (1789) es, como dijo el crítico de EL PAIS Ángel Fernández Santos, "un cálido y elegante retrato de un inagotable idilio entre un hombre y una mujer"

Erice cuenta cómo es su cine

No queremos olvidarnos de otros momentos de la filmografía de Víctor Erice que han resultado esenciales en su construcción cinematográfica y además constituyen obras cumbre de la historia del cine español. Para ello, os presentamos el comienzo de esta entrevista al director  en la que habla de "El sur", pero sobre todo de "El espíritu de la colmena". Disfrutadla durante el fin de semana:

Alumbramiento

Os dejamos aquí un cortometraje de Víctor Erice con el que queremos completar la visión del imaginario de este director. Para ello, os dejamos la información recogida en el blog Puerta de Babel en la que se describe perfectamente el origen y significación del corto:

En el año 2002, la productora de Wim Wenders elabora dos films colectivos en los que recoge cortometrajes de varios directores con una temática común. Uno de ellos es “Ten minutes older: The trumpet” que, bajo el tema “El Tiempo”, reune la visión libre de siete cineastas: Aki Kaurismaki, Víctor Erice, Werner Herzog, Chen Kaige, Spike Lee, Jim Jarmusch y el propio Wim Wenders. Sólo deben cumplir dos condiciones concretas: cada trabajo ha de durar 10 minutos y en todos tiene que aparecer un reloj, al menos en una ocasión.

Víctor Erice dirige para este recopilatorio “Alumbramiento” (“Lifeline” en su título original), rodado en riguroso blanco y negro, y lo ambienta en la España franquista de 1940, año en el que nació. El film, cargado de simbolismo, es una mezcla de diversos géneros cinematográficos que nos habla en lenguaje difuso de la muerte y la lucha por la vida, de las diferencias sociales, de la España rural aturdida por la guerra recien pasada y de la venidera en Europa.

Un espantapájaros que en lugar de sombrero de paja lleva en la cabeza un casco militar, una manzana y una serpiente deslizándose, un niño muy pequeño sangra, la madre despertada por un gato negro que hace balancear la cuna… imágenes que a modo de collage componen un trabajo metafórico, contemplativo, inquietante, intimista y eminentemente poético, donde los escasos sonidos se dejan caer en el momento adecuado jugando el papel de un símbolo más, evocador, abierto, pero en el que ningún elemento es banal ni sobra.