"Ninette y un señor de Murcia", de Fernando Fernán Gómez

En nuestra última sesión, Ninette y un señor de Murcia sustituyó a la película prevista, La mitad del cielo. En esta película pudimos ver a un Fernán Gómez joven, en la plenitud de su trabajo como actor y en una demostración de sus grandes cualidades como director.

La película, basada en la obra homónima de Miguel Mihura, utiliza, tal y como comentábamos en nuestra presentación, el humor para hacer una profunda crítica de la sociedad española de los años 60: la emigración, la mentalidad provinciana, el posicionamiento político, el conformismo, etc. Todos ellos elementos que preocupaban tanto a Mihura como, sobre todo, a Fernán Gómez.

Hay que destacar el magnífico trabajo de todos los actores, sobresaliendo entre todos ellos Fernán Gómez y Aurora Redondo, que hacen creíble una situación tan teatral y que con su maravillosa dicción ayudan a comprender perfectamente ese lenguaje dramático que Mihura pone en escena.

Es cierto que la obra es muy teatral, adaptada al estilo del cine de la época, con pocos exteriores y, además, muchos de ellos logrados con efectos especiales, muy parecidos a los que utilizaba Hitchcock: encadenados con imágenes sobre fondos superpuestos. A algunos el final se les hizo largo y repetitivo, pero, como luego pudimos discutir en el debate, era un efecto perfectamente buscado. La claustrfobia que provoca es la misma que provocaba la sociedad franquista para los españoles. Todos teníamos muy presente la película El ángel exterminador, de Luis Buñuel, esa fiesta de la alta sociedad mexicana de la que nadie puede salir.

La película, como señalasteis, desprende sutilezas, críticas solapadas al régimen: sorprenden planos excesivamente sensuales o alegatos marxistas-leninistas que han superado el filtro de la censura. Quizá porque, como comentabais, el discurso superficial de la película muestra que, al final, la sociedad francesa no es para tanto. Además todo el conflicto planteado es resuelto con el recurso de la boda católica que libera a los protagonistas de su culpa y de su mala conciencia.

Así que para que podáis seguir reflexionando con la película, os dejamos la presentación:

Años 70: La transición. Furtivos

Con la tercera sesión de nuestro curso de cine llegamos a los años 70. Década irremediablemente marcada por la desaparición física de Franco, como muchos de vosotros apuntasteis. Muerte que se sitúa casi, casi en el centro de la década marcando poderosamente los años inminentemente anteriores y los posteriores.

Con respecto a los años precedentes conocimos un término que se usó para designar los años que van desde el final de los años 60 hasta la muerte de Franco: Tardofranquismo. Periodo convulso, con una sociedad que vislumbra el final de un régimen en descomposición pero aún manejando los resortes de la represión y la violencia.

Todos supimos ver que descomposición (moral), represión y violencia son los ejes fundamentales por los que transita Furtivos. Aunque estuvimos de acuerdo en que era una buena película, su visión evidentemente no es fácil por eso, para aligerar el sentimiento opresivo nos dejó oímos la canción España Camisa Blanca de mi Esperanza, que además nos sirvió para centrar el debate porque la poesía de Blas de Otero nos deja imágenes que de alguna forma u otra encontramos en Furtivos.
Estos son algunos de los elementos que se señalaron durante el debate:

-        ‘Paloma buscando cielos más estrellados’

-        ‘La pena deja plomo en las alas’

-        ‘La muerte siempre presente nos acompaña en nuestras cosas más cotidianas’

-         ‘Navaja, barro’

-        ‘Nos dejó el hambre y se llevó el pan’

 

Y claro, el verso que no se le escapó a nadie:

-        ‘A veces madre, siempre madrastra’

 A partir de la unión de la imagen ‘España’ y ‘madrastra’ no fue difícil establecer una clave de lectura simbólica de la película y la función metafórica que los personajes cumplen.

Martina = España

Ángel = El pueblo

Santiago = El poder civil

Milagros = La libertad

Se señaló la inconsistencia y estupidez de Santiago, el gobernador, y que a pesar de que ‘es tan tonto como parece’ (en palabras de Martina), es quien manda, hace y deshace como quiere, lo vemos siempre rodeado de secretarios, subsecretarios, directores y, sobre todo, de las fuerzas del orden. En definitiva, aunque cretino, maneja los resortes del poder.

Me resultó muy interesante que al comentar el carácter de Ángel, sus motivaciones, vacilaciones, deseos, etc., parecía que se estuviera hablando, no de un personaje, sino de las aspiraciones de la sociedad española previa a la muerte de Franco. La aspiración a la libertad centrada en el personaje de Milagros.

Y finalmente el personaje de Martina, la madre madrastra, castradora, que se resiste a cambiar, inmóvil en su bosque, devoradora de sus hijos, opresora: algunos relacionasteis la escena en que apalea a la loba con la foto de un policía antidisturbios que vimos en la presentación.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En definitiva esa España que nos pone ‘plomo en las alas’ y que se niega a progresar… pero que, como veremos en la próxima sesión, gracias a Ángel se vio obligada a cambiar y adaptarse a nuevos tiempos.

DESARROLLO Y TURISMO: CINE ESPAÑOL DE LOS AÑOS 60. "EL VERDUGO"

La segunda sesión del curso nos llevó al cine y la sociedad española de los años 60. Una España que se caracterizaba por el crecimiento económico y el boom del turismo y un cine que se movía en la esquizofrenia de las películas favorables al régimen o de mero entretenimiento, reflejo de esa época de playas, suecas y chiringuito, y de películas de alta calidad con un realismo esperpéntico y que dejó en la historia del cine español algunas de nuestras obras maestras: Viridiana, de Luis Buñuel; La tía Tula, de Miguel Picazo o La caza, de Carlos Saura, por nombrar sólo a algunas de las más importantes. La película que completó el curso fue una de esas grandes obras maestras El verdugo, de Luis García Berlanga:

 Como no podía ser de otra manera, los buenos cinéfilos saben reconocer una gran película. A todos nos gustó mucho y en el debate se escucharon muchos comentarios elogiosos y compartimoss un análisis un poco más pormenorizado de algunos aspectos de la película.

Se señaló esa capacidad de Berlanga para tratar un tema duro y difícil de una manera divertida, con ese humor negro tan español y que tan buenos resultados sigue dando.

En esta ocasión, vimos cómo la película reflejaba esa sociedad española del desarrollismo y del turismo, de la mentalidad tradicional y conservadora del franquismo que se tenía que enfrentar a la llegada de nuevas ideas que venían unidas proporcionalmente al dinero que los europeos se dejaban en nuestras playas.

Supimos ver también esa reflexión amarga que hace Berlanga sobre el peso del contexto social en el destino de las personas, que se ven atrapadas en una vida que quizá no les pertenece. Para algunos,  Amadeo es alguien que más allá de resignado o cínico es un ciudadano que se conforma con el trabajo que tiene ("total, si hay pena capital, alguien tendrá que ejecutarla").

Discutimos sobre el papel de la mujer en el personaje interpretado por Emma Penella, una Carmen dulce y manipuladora a la vez, y que de algún modo refleja cierta misoginia en el cine berlanguiano.

Al director no le gustaba el final, pero a nosotros nos parecía que no estaba mal, que recogía muy bien el espíritu de la película, aunque a algunos les hubiera gustado que ese final fuera más dramático, finalizando en aquella enorme habitación que atraviesa el cortejo de condenados. Sin embargo, nos hubiéramos perdidos ese epìlogo maravilloso y ese "No lo haré más", con el que alguno de vosotros hubiera titulado la película.

Para que podáis volver sobre el análisis de la época y del cine del momento, y para que penetréis un poco más en algunos contenidos de la película, os dejamos la presentación. Que la disfrutéis: